Expositions immersives : avenir de l’art ou parcs d’attractions hors de prix ? | De l’art

PJetez un coup d’œil à travers la fenêtre de la galerie et vous verrez un extraterrestre holographique danser dans l’espace. Aventurez-vous à l’intérieur et une bande sonore étrange et indéterminée joue tandis que l’odeur de la fumée de bois flotte dans l’air. Cinq casques VR accueillent les participants, chacun offrant une simulation différente de la vie extraterrestre. Mettez la paire de lunettes et vous risquez de vous retrouver, comme moi, entouré d’un banc de pixels bleu électrique qui bougent de concert comme une méduse. Cette partie m’a laissé un peu instable, comme si mes neurones avaient été massés.

Cette expérience fait partie d’Alienarium 5, une nouvelle exposition de l’artiste français Dominique Gonzalez-Foerster à la Serpentine Gallery. L’art de l’installation qui utilise des technologies telles que la réalité augmentée et virtuelle pour “immerger” les spectateurs, fusionnant le monde physique avec l’expérience numérique, est devenu populaire ces dernières années. Il y a déjà eu des expositions immersives de David Bowie et Abba, tandis qu’une expérience immersive Avicii vient d’ouvrir en Suède avec une Prince qui devrait suivre à Chicago plus tard cette année. Il y a tellement d’expériences immersives de Van Gogh que le phénomène a sa propre page Wikipédia. Ces projets varient énormément dans leur portée, allant d’installations élaborées de haute technologie à des projections de spectacles de peintres décédés compatibles avec Instagram.

Les chambres lounge et parfumées de l’Alienarium 5 sont un répit bienvenu après l’expérience de naviguer dans des espaces publics claustrophobes avec un masque facial humide. « Le spectacle est une réalité mixte – c’est à la fois virtuel et physique. Cela implique le toucher, l’odorat, toutes sortes de choses que vous ne pourriez pas avoir devant un écran », explique le directeur artistique de la Serpentine, Hans Ulrich Obrist. Après deux ans d’isolement social intermittent, les événements qui invitent à une immersion sensuelle en compagnie des autres ont un nouvel attrait. Les gens veulent « quelque chose qu’ils ne peuvent pas vivre devant leur ordinateur à la maison », dit Obrist.

Les artistes de l’installation travaillent depuis longtemps avec les nouvelles technologies : Obrist cite Billy Klüver, ingénieur électricien chez Bell Telephone Laboratories, qui a collaboré avec des artistes tels que Robert Rauschenberg et Yvonne Rainer pour créer des sculptures cinétiques et des paysages sonores. Des artistes tels que James Turrell et Olafur Eliason ont fait des pièces extatiques et lumineuses un élément institutionnel. Plus d’un conservateur avec qui j’ai parlé a déclaré Rain Room de Random International, l’installation au succès fébrile qui a été exposée pour la première fois au Barbican en 2012 et qui permettait aux gens de traverser une averse sans se mouiller, a contribué à propulser cette forme au sein des institutions artistiques. “C’était un sujet de discussion qui est devenu très populaire, avec de longues files d’attente, beaucoup de gens qui attendaient et beaucoup d’autres institutions disant des choses comme” nous avons besoin d’une salle de pluie “, parce qu’elles avaient besoin de conduire le public”, explique Justin McGuirk, un conservateur. au Musée du Design.

Hors de ce monde… Alienarium 5 de Dominique Gonzalez-Foerster à la Serpentine Gallery, Londres.
Hors de ce monde… Alienarium 5 de Dominique Gonzalez-Foerster à la Serpentine Gallery, Londres. Photographie : Guy Bell/Rex/Shutterstock

Les expositions de la Serpentine sont gratuites pour le public, mais la plupart des expositions immersives sont des entreprises commerciales qui facturent des prix élevés. J’ai récemment assisté à une expérience Van Gogh mise en scène dans un entrepôt à Shoreditch, qui promettait de « réinventer le concept de musée ». Des photographies d’autoportraits de l’artiste ont été agrandies sur des toiles et une foule de visiteurs a regardé des coups de pinceau de tournesols projetés sur un vase statique. L’espace semblait temporaire, comme un spectacle itinérant qui sortirait de la ville la nuit. Les étiquettes relatant la biographie de l’artiste semblaient avoir été parcourues par une application de traduction, produisant des phrases étranges et schématiques. Pourtant, les gens ne semblaient pas s’en soucier. « C’est tellement beau », ai-je entendu quelqu’un dire en regardant une reproduction sans texture de Café Terrace at Night. Dans la dernière salle, les visiteurs s’asseyaient par terre et regardaient des gros plans virevoltants de la nuit étoilée de Van Gogh projetés sur une bâche. Musique Glissando jouée sur les haut-parleurs. Le spectacle semblait essayer très fort de cultiver un sentiment d’importance, mais l’impression générale était aléatoire, comme si ses créateurs ne voulaient pas que les gens regardent de trop près les détails. Un conseil nous a informés que “Van Gogh est une rock star”, énumérant les cinq prix les plus élevés que ses peintures avaient obtenus aux enchères.

FeverUp, la plateforme de divertissement qui a organisé l’expérience, a prévu un certain nombre d’expositions similaires au Royaume-Uni cette année, notamment l’expérience Frida et Diego et Klimt : l’expérience immersive. La plate-forme demande aux internautes de voter pour les œuvres d’art ou les artefacts dans lesquels ils aimeraient être immergés (une expérience Dalí est en préparation, tout comme Titanic : l’exposition). La société a souligné qu’elle souhaitait “démocratiser” la culture et faire de l’art “accessible”. Pourtant, un billet du samedi pour l’expérience Van Gogh coûte 25 £ (un billet VIP, qui comprend une affiche et une émission de réalité virtuelle de 12 minutes, coûte environ 40 £).

Parce que les installations immersives ne reposent pas sur la présentation d’objets rares, elles peuvent être reproduites à une échelle quasi industrielle. Théoriquement, vous pourriez licencier la propriété intellectuelle d’un collectif d’art et la montrer n’importe où dans le monde, un modèle qui a plus en commun avec une plate-forme technologique qu’un musée ou une galerie. “Pendant la pandémie, l’industrie des jeux était en plein essor. Le monde de l’art a pris conscience de cela et du rôle des plateformes comme Netflix – des plateformes numériques partageant des formes de culture et le faisant avec un succès extraordinaire », explique Kay Watson, directrice du programme Serpentine’s Arts Technologies. En janvier 2020, le programme a publié un rapport qui a identifié comment les expériences payantes rapprochent l’art du modèle financier des cirques et des parcs à thème. « Pour certains acteurs du monde de l’art », écrivent les auteurs du rapport, « cela peut soulever la question de savoir si [these] sont en effet des « espaces d’art ».

Salle de pluie au Barbican.
En cas d’orage… Rain Room au Barbican. Photographie: Dominic Lipinski / PA

Il est facile d’être cinglant sur la façon dont de tels événements transforment l’art en «contenu» prêt à être capturé et partagé sur les réseaux sociaux. Le moteur de l’art immersif est incontestablement financier : sa popularité croissante coïncide avec la pression que subissent de nombreuses institutions artistiques pour obtenir des financements et diversifier les publics, dont les attentes ont à leur tour été façonnées par Internet. “Il y a probablement une blague interne dans chaque musée sur le” moment Instagram “”, me dit un conservateur. “Parfois, les conservateurs planifient ce moment – car ils savent que les visiteurs vont le chercher de toute façon.” Les galeries d’art et les musées ont réalisé que les opportunités intégrées de « contenu généré par l’utilisateur » (UGC) peuvent être rentables ; comme l’a écrit l’artiste Dena Yago dans un essai de 2018, “le plan marketing d’une entreprise peut inclure une campagne UGC qui diffuse un appel à l’action, ou CTA… cette réponse est souvent la création de plus de contenu – la publication de selfies, de photos et vidéos”. Inévitablement, les œuvres qui conviennent à ce format sont des spectacles maximalistes avec un excellent éclairage. Parmi les installations qui illustrent le mieux ce changement, citons la Rain Room, l’Infinity Mirrored Room de Yayoi Kusama, la Pixel Forest de Pipilotti Rist et “n’importe quoi de James Turrell”, a écrit Yago.

Certains dans le monde de l’art sont optimistes sur le fait que les installations immersives pourraient libérer leurs producteurs de la dépendance à la vente d’œuvres pour générer un revenu ; au lieu de cela, les artistes pourraient faire payer aux visiteurs l’entrée aux expériences payantes, contournant complètement l’établissement artistique traditionnel. Un collectif basé à Tokyo de plus de 500 artistes, designers et technologues, teamLab, le fait déjà. Connu pour ses installations lumineuses saturées et réactives, teamLab a lancé un “musée d’art numérique” en partenariat avec le promoteur immobilier japonais Mori en 2018 (les billets coûtent 30 $). Le groupe a depuis ouvert un autre musée à Shanghai, un espace d’art immersif dans un hôtel de luxe à Macao et des expositions à Paris, Prague, Barcelone et New York. En 2024, teamLab lancera « le plus grand musée d’art numérique d’Europe », à Hambourg.

Une autre organisation pionnière du modèle immersif est Superblue, fondée en 2019 par Marc Glimcher et Mollie Dent-Brocklehurst de la Pace Gallery de Londres. Superblue a des bureaux à Miami et à Londres et a récemment ouvert une installation au Rockefeller Center à New York. Dans sa base caverneuse de Miami, installée dans un entrepôt reconverti, les visiteurs voyagent à travers un labyrinthe de miroirs du scénographe anglais Es Devlin, une installation de lumière florale réactive de teamLab et un Ganzfeld violet. par Turell. “Lorsque vous organisez une exposition de peintures, il existe un modèle commercial : vendons les peintures”, me dit Glimcher. « Dans le monde de la musique, vous achetez une chanson pour 99 cents. Dans le monde de l’art, vous achetez un billet de musée pour 25 dollars, et cet argent ne va pas à l’artiste. La question est : peut-il y avoir un monde de l’art commercial et expérientiel, comme il y a un monde commercial de la peinture et de la sculpture ?

Dans le nuage… Silent Fall d'AA Murakami.
Dans le nuage… Silent Fall d’AA Murakami. Photographie : Linda Nylind/le gardien

Lors de la récente exposition de Superblue à Londres, Silent Fall, une forêt éthérée du duo d’artistes tokyoïtes AA Murakami a été mise en scène dans un avant-poste de la Royal Academy. Par un mercredi matin nuageux, une file de personnes faisait déjà la queue à l’extérieur. La commissaire de l’exposition, Margot Mottaz, m’a guidée à travers l’espace sombre, décrivant la pensée derrière les arbres robotiques, qui produisaient des bulles “chimiquement complexes” qui gonflaient voluptueusement avant de dériver vers le sol et de s’évaporer en fumée. L’air était parfumé de patchouli et d’aiguilles de sapin ; la lumière dérivait d’une lueur ambrée à un blanc argenté. En me promenant dans la pièce, j’ai vu de jeunes enfants jouer avec des bulles sur le sol. Un couple a pris des photos l’un de l’autre. Les gens semblaient s’amuser. Mais après avoir touché l’une des bulles et pris quelques photos, j’ai compris que la véritable immersion est la chose la plus rare ; plus que du spectacle ou de la technologie, cela demande de se concentrer activement sur ce qui est devant soi.

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